Japans ontwerp

Japans ontwerp

Japans design is altijd erg mysterieus en beknopt geweest. De absoluut buitenaardse cultuur van Japan werd in Europa en Amerika als exotisch gezien, omdat Japanse gebieden sinds lange tijd, vanwege de speciale geografische ligging en klimatologische omstandigheden, praktisch geïsoleerd waren. Dankzij dit is elk object uit Japan een ontdekking geworden over de geschiedenis en cultuur van dit land. Veranderingen vonden alleen plaats na de Meiji-revolutie in 1868. Als gevolg hiervan, begon Japan met het begin van de interactie met andere culturen veel te lenen van het Westen, wat vervolgens de hele Japanse cultuur enorm veranderde.

Sofa "Stratos" (Makio Hasuike)

De Japanners besteden veel aandacht aan de natuur en zenden vaak de karakteristieke kenmerken ervan uit over de gecreëerde objecten. Ondanks schijnbare terughoudendheid, drukt de semantiek van elk onderwerp een massa van betekenissen uit die het element onderscheiden waaraan het onderwerp wordt gewijd.

In de naoorlogse periode begon Japan zich zeer snel te ontwikkelen en veranderde daardoor zeer snel in een hoogontwikkeld land met een enorme hoeveelheid geld om bijna elk idee te implementeren. Dankzij de nieuwsgierige geest, toegenomen belangstelling voor de toepassing van nieuwe technologieën en het nastreven van harmonie, de opkomst van een groot aantal ongewoon mooie objecten. Er wordt aangenomen dat de ontwikkeling van de designbeweging in Japan begon na de opening in 1901 op de Tokyo Higher Polytechnic School of the Department of Industrial Design.

Een boek in de vorm van een beker (Eri Akutsu en Koji Shimizu)

In 1936 werd de Japanse artistieke en industriële samenleving voor het eerst gecreëerd. Toen, in 1952, werden 25 experts in ontwerp opgericht door de Japan Industrial Designers Association, die nog steeds de enige professionele organisatie van industrieel ontwerpers in Japan is.

Systemen voor het bewaren van ijs (Makio Hasuike)

1

Merk op dat vandaag de beroemdste Japanse industriële ontwerpers Naoto Fukasawa en Makio Hasuike zijn. De eerste opende zijn ontwerpbureau in 2002 en ontving meer dan 50 designprijzen in Japan, de VS en Europa. De tweede - opende zijn bedrijf in 1968 en kreeg de "Compasso d'Oro" -prijs. Sommige door Haswake ontwikkelde producten maken momenteel deel uit van de permanente collecties van het Museum of Modern Art in New York, de Triënnale van Milaan en het Essen Museum of Industry.

Disposable ware van milieuvriendelijke materialen "Wasara"

"Narciso" gootsteen en "Indy" bank

Verhoogd functionalisme, het bewuste gebruik van elk detail en het minimale gebruik van materialen zijn de hoeksteen geworden voor het succes van Japans design in zowel de 20e als de 21e eeuw. Bedenk dat op 20 augustus 2009 de tentoonstelling "Wa: The Spirit of Harmony en Japanese Design Today" zal openen in het "Red Dot Design Museum". In het kader van de expositie worden beide objecten herkend als klassiekers van het ontwerp en worden de nieuwste voorbeelden van de onderwerpswereld gepresenteerd door moderne Japanse ontwerpers gepresenteerd. Bovendien zullen de gepresenteerde objecten zo divers zijn dat bezoekers bijvoorbeeld een klassieke fles "Kikkoman" kunnen zien, ontworpen door Kenji Ekuan in 1961, aan een mobiele telefoon van Naoto Fukasawa, gemaakt in 2003.

De beoordeling werd voorbereid door de portal "Face 2 Face": www.f2f-mag.ru

6 reacties op «Japans ontwerp»

"Dankzij een nieuwsgierige geest heeft toegenomen belangstelling voor het gebruik van nieuwe technologieën en het streven naar harmonie het ontstaan ​​van een groot aantal ongewoon mooie objecten veroorzaakt." - niet op de een of andere manier Russisch.

verdomme, ik klaag ze echt aan. mijn arme kinderen zijn kleinkinderen.

Sofa Stratos - gewoon super !! En wegwerpgerei is ongelooflijk mooi! Ik wil naar Japan)

Sofa Stratos - gewoon super !! En wegwerpgerei is ongelooflijk mooi! Ik wil naar Japan)

Geloof yaponish. In het kort. Prachtig. Mysterieus en. warm, of zoiets. wat er ook gebeurt.

Cool artikel! Zulke zeldzame beoordelingen

Japans ontwerp

Japans design is altijd erg mysterieus en beknopt geweest. De absoluut buitenaardse cultuur van Japan werd in Europa en Amerika als exotisch gezien, omdat Japanse gebieden sinds lange tijd, vanwege de speciale geografische ligging en klimatologische omstandigheden, praktisch geïsoleerd waren. Dankzij dit is elk object uit Japan een ontdekking geworden over de geschiedenis en cultuur van dit land. Veranderingen vonden alleen plaats na de Meiji-revolutie in 1868. Als gevolg hiervan, begon Japan met het begin van de interactie met andere culturen veel te lenen van het Westen, wat vervolgens de hele Japanse cultuur enorm veranderde.

Sofa "Stratos" (Makio Hasuike)

De Japanners besteden veel aandacht aan de natuur en zenden vaak de karakteristieke kenmerken ervan uit over de gecreëerde objecten. Ondanks schijnbare terughoudendheid, drukt de semantiek van elk onderwerp een massa van betekenissen uit die het element onderscheiden waaraan het onderwerp wordt gewijd.

In de naoorlogse periode begon Japan zich zeer snel te ontwikkelen en veranderde daardoor zeer snel in een hoogontwikkeld land met een enorme hoeveelheid geld om bijna elk idee te implementeren. Dankzij de nieuwsgierige geest, toegenomen belangstelling voor de toepassing van nieuwe technologieën en het nastreven van harmonie, de opkomst van een groot aantal ongewoon mooie objecten. Er wordt aangenomen dat de ontwikkeling van de designbeweging in Japan begon na de opening in 1901 op de Tokyo Higher Polytechnic School of the Department of Industrial Design.

Een boek in de vorm van een beker (Eri Akutsu en Koji Shimizu)

In 1936 werd de Japanse artistieke en industriële samenleving voor het eerst gecreëerd. Toen, in 1952, werden 25 experts in ontwerp opgericht door de Japan Industrial Designers Association, die nog steeds de enige professionele organisatie van industrieel ontwerpers in Japan is.

Systemen voor het bewaren van ijs (Makio Hasuike)

Merk op dat vandaag de beroemdste Japanse industriële ontwerpers Naoto Fukasawa en Makio Hasuike zijn. De eerste opende zijn ontwerpbureau in 2002 en ontving meer dan 50 designprijzen in Japan, de VS en Europa. De tweede - hij opende zijn bedrijf in 1968 en werd uitgereikt "Compasso d'Oro". Sommige door Haswake ontwikkelde producten maken momenteel deel uit van de permanente collecties van het Museum of Modern Art in New York, de Triënnale van Milaan en het Essen Museum of Industry.

Disposable ware van milieuvriendelijke materialen "Wasara"

"Narciso" gootsteen en "Indy" bank

Verhoogd functionalisme, het bewuste gebruik van elk detail en het minimale gebruik van materialen zijn de hoeksteen geworden voor het succes van Japans design in zowel de 20e als de 21e eeuw. Bedenk dat op 20 augustus 2009 de tentoonstelling "Wa: The Spirit of Harmony en Japanese Design Today" zal openen in het "Red Dot Design Museum". In het kader van de expositie worden beide objecten herkend als klassiekers van het ontwerp en worden de nieuwste voorbeelden van de objectieve wereld gepresenteerd door moderne Japanse ontwerpers gepresenteerd. Bovendien zullen de gepresenteerde objecten zo divers zijn dat bezoekers bijvoorbeeld een klassieke fles "Kikkoman" kunnen zien, ontworpen door Kenji Ekuan in 1961, aan een mobiele telefoon van Naoto Fukasawa, gemaakt in 2003.

Cultuur van Japan in de 20e eeuw is verrijkt met tal van nieuwe richtingen, die, samen met de modernisering van traditionele oude kunsten, het resultaat zijn geweest van culturele infusies uit het Westen. Het begin van de eeuw werd voor het land overschaduwd door militaire acties in China, Korea en na de deelname aan de Tweede Wereldoorlog, tijdens welke de tragische kernaanvallen op Hiroshima en Nagasaki plaatsvonden. Deze moeilijke tijden was het moeilijk voor de mensen, evenals de naoorlogse periode van economische zwakte, maar gaf de Japanners de mogelijkheid van een nieuwe start, een volledige upgrade van het productie-apparaat en een sterke sprong in technologie gericht op het snel herstel van het land van de ruïnes.

Moe van oorlogen en isolement, opende Japan zich voor de westerse wereld, enthousiast gebruik makend van vernieuwende trends in de wetenschap, industrie en, natuurlijk, cultuur. De Japanners trachtten met maximale efficiëntie de levenssfeer naar een welvarende staat te leiden, ontwikkelden de productie van auto's en computers, bedachten nieuwe technologieën in de wetenschap en pasten het sociale leven aan. Vandaar het huidige Japanse onderwijssysteem, dat veel boekkennis geeft, samen met sport, vechtkunsten en andere extra cirkels, en de gepassioneerde wens van kinderen en hun ouders om een ​​betere school, een betere universiteit en werkgelegenheid in een beter bedrijf te betreden. Dus het gebeurde met cultuur - literatuur, cinema en animatie werden niet alleen een imitatie van het Europese model, maar originele creatieve meesterwerken.

Fotografie en cinematografie zijn al lang bekend bij de Japanners, maar cultuur van Japan in de 20e eeuw, verrijkt met nieuwe kennis en waardige uitrusting heeft deze kunst toegestaan ​​om dieper en vrijer te ademen. Het eerste land zag de band in 1896, en drie jaar later de Japanners zijn begonnen met films opening in 1903, de eerste bioscoop te produceren en in de 1908 eerste film studio. Van het theater naar de bioscoop gemigreerd stijl, kostuums en decors, en zelfs, als de traditionele Kabuki theater, werden vrouwenrollen gespeeld onagata - gekleed als een man. Ook in tijden van stille cinema tijdens sessies was er een bansi - artiest die commentaar gaf op wat er op het scherm gebeurde. Al snel begon regisseur Makino Shodzo de Japanse cinema te hervormen in de richting van het realisme, waarbij hij theatrale spullen uit de films verving met de steun van jonge collega's. De jaren dertig werden gekenmerkt door de triomf van de degelijke cinema en de geboorte van het producentenstelsel, vergelijkbaar met het systeem dat in Hollywood bestond. Al snel brak de oorlog uit en de naoorlogse filmproductie was al vol van documentalisme, toegewijd aan veldslagen op het land en op zee. Door het midden van de eeuw, waren er zes grote filmmaatschappijen, "Shochiku", "Toho", "Dayey", "Toei", "Nikkatsu" en "Sintoho". Ook begon in deze tijd zijn schilderijen wereldberoemde Akira Kurosawa te creëren. Gevormd in cultuur van Japan in de 20e eeuw features film - laconiek, contemplatie, eenvoud - blijven in de afgelopen jaren te leven, films zoals "Rashomon" (1950) en "Dreams" (1990) Akira Kurosawa, "Vuurwerk" (1997) en "Doll" (2002) Takeshi Kitano, werken van Kohei Oguri en Takashi Miike.

In de jaren 1950, als een apart genre, begon de Japanse animatie zich te ontwikkelen, waarvan de makers verrijkten cultuur van Japan in de 20e eeuw een fenomeen van anime, gekke populariteit over de hele wereld. Sommige homegrown animators creëerden ook animaties in de vooroorlogse periode, maar door de toename van de noodzakelijke technische basis voor het creëren van competitieve cartoons, werd solo-productie onmogelijk en kwamen animatiestudio's op de arena. De eerste was Toei Animation, waarmee de anime werd gestart in de vorm van professionele meerfasige activiteiten. Hun kleur speelfilm "Hakudzyaden" werd uitgebracht in 1956, en in 1963 door Osamu Tezuka begon het vrijgeven van de serie «Tetsuwan Atomu» (Astro Boy) manga van dezelfde naam op de sci-fi thema. De eerste Japanse animators imiteerden hun westerse tegenhangers, met name Disney, waardoor de ogen van de anime-helden zo ongeloofwaardig waren. Door de jaren heen groeide de kwaliteit van het beeld in de anime, er verschenen nieuwe studio's en genres. Mode voor robots baarde het genre van bont, en de release van de eerste film "Star Wars" verhoogde de populariteit van ruimtesaga's. In moderne anime worden computergraphics, niet-standaard bewegingen en erotische scènes actief gebruikt, helden zijn mensen, robots en dieren, evenals allerlei combinaties van verschillende wezens. Akihabara, een kwart in Tokio, beroemd om zijn winkels met manga, anime, heldenfiguren trekken regelmatig menigten otaku aan, die kwamen voor fanatieke schatten.

Deze massale populariteit beïnvloedde ook het uiterlijk van jonge (en niet erg) Japanners. Op de trottoirs van Akihabara, anime-feesten en gewoon in de straten van steden bloeit cosplay - het verkleden van een favoriet personage met het kopiëren van zijn gedrag, gebaren en uitingen. Cosplay is een integraal onderdeel geworden van de Japanse straatmode, die in alle kleuren te zien is in een ander district in Tokio, Harajuku. Jongeren die zich hier verzamelen, noemen zichzelf verschillende subculturen, vaak van westerse oorsprong. Supporters van de Gotische beweging gekleed in zwarte kleding, leren jack en kantjabot, fans van hip-hop en R & B kleurstof zijn haar wit en bruin in een solarium voor de Japanse ras gebruinde onnatuurlijk tint, en de jongens en meisjes Fruts "slijtage stijl meerdere lagen kleding van de helderste kleuren met veel accessoires.

Niet minder diverse en muzikale component cultuur van Japan in de 20e eeuw. Klassieke instrumenten zoals de shamisen en shakuhachi verdween naar de achtergrond, waardoor de plaats een elektrische gitaar en synthesizers. Japanse rock (j-rock) en popmuziek (j-pop), eerste veroverde de harten van de Japanners, en nu geleidelijk aan wereldwijde erkenning in Amerika, Europa en het GOS.

Een ander soort kunst, dat werd bijgevuld cultuur van Japan in de 20e eeuw, die in het buitenland beroemd is geworden, is literatuur. De beroemdste Japanse schrijver van de vorige eeuw is misschien Yukio Mishima. Zijn werken hebben een revolutie teweeggebracht in de hoofden van lezers met hun oprechtheid en drama, en droevige zelfmoord in 1970 heeft nog steeds geen logische verklaring. Een andere prominente schrijver van romans en verhalen Kenzaburo Oe - winnaar van de Nobelprijs "voor wat hij deed met de poëtische kracht een denkbeeldige wereld waarin realiteit en mythe samen te voegen tot een verontrustend beeld van menselijke ellende van vandaag vormen." Aanzienlijke aandacht van de brede massa's van de bevolking in de jaren negentig werd aangetrokken door de Japanse auteur Haruki Murakami. Zijn trilogie, inclusief de wereldberoemde "Sheep Hunting", wordt beloond met literaire prijzen en het verhaal "Tony Takia" wordt gebruikt als basis voor de arthouse-film "Tony Takitani" (2004).

Traditionele Japanse industrie, hun hoge esthetiek en voorliefde voor empathie maken de Japanse cultuur zo aantrekkelijk voor mensen van alle leeftijden en nationaliteiten. Een van de eerste plaatsen in de wereld en een nobel streven naar superioriteit aan te moedigen Japan om meer nieuwe en mooi te maken.

Het fenomeen van Japans design

Japans ontwerp van nationale vormgeving

De kunstcultuur heeft het hele leven van de Japanners lang doordrongen. Het volstaat om de beroemde Japanse theeceremonie, behandelt, waarbij de elegantie van eeuwen gegenereerde bewegingspatroon als het fuseert met de schoonheid gebruiksvoorwerpen, een exclusieve kunst van het maken van boeketten herinneren - "Ikebana", de esthetische en functionele perfectie van houtbewerking en andere instrumenten van de Japanse ambachten. Deze tradities konden natuurlijk niet anders dan de vorming van het moderne Japanse ontwerp beïnvloeden. Hun leeftijd wordt echter al eeuwen gemeten en het ontwerp in Japan is niet langer dan 60 jaar. De belangrijkste stimulans voor de ontwikkeling ervan lijkt de bijzondere economische omstandigheden te zijn die in Japan in de naoorlogse periode heersten. Al tientallen jaren kwam het Japanse design als beste ter wereld. De ontwikkeling ervan is net zo snel als het algemene proces van de naoorlogse industrialisatie in Japan. Ze praten veel over Japan als een "mysterie van de 20e eeuw". De eerste kleine groep ontwerpers verscheen in het begin van de jaren vijftig in het land. Toen in 1952 creëerden ze een Japanse ontwerpers vereniging, omvatte slechts 25 deelnemers, van wie de meesten houden zich bezig met het ontwerpen van meubels en interieurs.

Het industriële herstel van de vroege jaren zestig. heeft geleid tot een intensivering van de concurrentie tussen Japanse industriële bedrijven. In de zorg om de aantrekkelijkheid van hun producten te vergroten, moesten ze hun toevlucht nemen tot de diensten van ontwerpers. Dit beroep werd al snel acuut gebrekkig en het aantal ontwerpers begon snel te groeien. Het gevolg hiervan was onvoldoende professionele training van velen van hen, eenzijdige oriëntatie op de oplossing van puur artistieke of commerciële taken. Volgens de prominente Japanse ontwerper Sory Yanagi zijn kunstenaars in deze periode vaak naar de industrie geweest, die "de prachtige schoonheid van de afbeelding met toekomstige producten heeft geschilderd", zonder vooraf problemen te hebben gehad met het raadplegen van ingenieurs.

ontwerp ontwikkeling in Japan vond plaats in een complex proces van interactie en ontmoeting allerlei creatieve concepten, economische, organisatorische en stilistische vormen - als een carry-over van Europa en Amerika, en hun ontstaan ​​op basis van eeuwen van versleten culturele praktijken, esthetische ideeën en artistieke vormen.

De Japanse overheid moedigt de ontwikkeling van design in het land sterk aan. In de twee naoorlogse decennia heeft Japan meer dan 1.500 licenties en patenten verworven, waarvan vele tot de ontwerpindustrie behoren. Voor deze patenten en licenties werd in totaal $ 400 miljoen betaald; ze hebben hun vruchten afgeworpen met een winst van 4-8 miljard dollar. Sinds het begin van de jaren 1950. Jethro, de Japanse vereniging voor de bevordering van de ontwikkeling van de exporthandel, stuurde regelmatig Japanse ontwerpers om te studeren aan de hoogste kunst- en ontwerpscholen in de VS en Duitsland (Chicago, Los Angeles, Ulm). Veel ontwerpers hebben regelmatig getraind in de VS, Italië, Frankrijk, Engeland, de Scandinavische landen, om kennis te maken met de nieuwste ontwerpprestaties.

Tegelijkertijd was het proces van het beheersen van buitenlandse ervaringen in Japan niet zo eenvoudig, gemakkelijk en consistent, zoals het soms lijkt. Critici beschuldigden Japanse ontwerpers van het blind imiteren van westerse audio- en videoapparatuur, waarvan de vormen soms letterlijk werden gekopieerd. Meubels herhaalde voorbeelden van bekende werken van Eames, Saarinen, Breyer, Le Corbusier. Soms waren dit directe kopieën, soms veranderden ze in details. Industrieel ontwerp in Japan leek te snel, in een grote kloof van nationale ambachtelijke kunst, tussen hen was er bijna geen verband. De helderste trend van het opkomende Japanse ontwerp is de Amerikanisering en, als gevolg daarvan, het overwicht van styling. Dit is niet verrassend, omdat veel Japanse ontwerpers studeerden aan Amerikaanse hogescholen en Japanse goederen in grote hoeveelheden werden geëxporteerd naar de Verenigde Staten.

In Japans ontwerp, onmiddellijk gevormd drie richtingen, conventioneel genoemd "nationaal", "internationaal" en "gemengd." In Japan hebben ze bezwaar tegen de term 'Europese' stijl, omdat het een schaduw heeft van raciale tegenstand van Europeanen tegen Aziaten, en vaker de term 'internationaal' gebruiken. Het is bekend dat het in Japan gebruikelijk is dat een nationaal gebruik rond een lage tafel op de grond zit. Japanse ontwerpers in plaats van traditionele kussens zijn begonnen met het ontwerpen van originele stoelen met ruggen, maar zonder poten. Japanse baden - houten vaten - werden vervangen door plastic en Toshiba produceerde een moderne elektrische rijstkoker in plaats van de traditionele "ka-mado". Elektrisch staal en in de winter lang gebruikt voor het verwarmen van "katatsu" - vuurpot met kolen, dat in het midden van de groef in de vloer onder een lage eettafel werd geplaatst.

De "nationale" stijl ontsnapte echter niet aan de nogal smakeloze styling. Zo werd bijvoorbeeld in een van de hotels in Atami resort een groot restaurant gebouwd met ongeveer tweehonderd lage Japanse tafels met kussens, regelmatige rijen op de vloer, bedekt met matten. Dit pathos van kwantiteit had niets te maken met de geest van traditionele nationale interieurs, intiem en eenvoudig, ontworpen voor één, hooguit twee of drie tafels. Er zijn andere voorbeelden van pseudo-nationale stijl in Japanse industriële producten. Zo worden bijvoorbeeld lampen vaak zo ontworpen dat de moderne vorm van diffusers van opaal glas en zelfs tl-buizen ingericht met houten of metalen latten binnenkant "van de Japanse geest", die niet alleen ziet er slecht uit, maar bleek niet-functioneel te zijn, zo dicht mogelijk licht. Dergelijke relatief recente pogingen van Japan om een ​​moderne "nationale stijl" te creëren, doen denken aan de eerste stappen van het Europese ontwerp aan het einde van de 19e eeuw. met zijn enthousiasme voor neogotiek, de stijl van "a la Rüss" en locomotieven, versierd met bloemenslingers.

Ondertussen zijn de tradities van de Japanse houding ten opzichte van de wereld van de dingen dicht bij de moderne kunstbeweging - het is geen toeval dat de Japanse klassieke ervaring veel van de grootste architecten en ontwerpers aantrok, te beginnen met Wright en Gropius. In de bovenstaande voorbeelden is deze innerlijke verwantschap van traditionele Japanse en moderne esthetiek volledig verloren. Externe exotische vormen zijn in wezen een stilering in de geest van commercieel toerisme.

De creatie van zijn eigen creatieve concept van Japans ontwerp vond plaats op basis van de zogenaamde gemengde stijl die ontstond op basis van een organische combinatie van de eigenaardigheden van het Japanse leven en zijn artistieke tradities en de beste prestaties van het wereldontwerp. Dit was het duidelijkst in het ontwerp van interieurs, meubels, huisuitrusting. De ontwikkeling van buitenlandse ervaring werd het meest vruchtbaar uitgevoerd op het gebied van hoogontwikkelde industriële sectoren, voornamelijk in de elektronica.

Moderne elektronica, die zo beroemd was voor Japan, in de periode van de vorming van Japans ontwerp, was volledig nieuw voor het land, een gebied van productie, niet gerelateerd aan het verleden, noch functies, noch vormen.Het ontwerp in de Japanse huishoudelijke instrumentbouw ontwikkelde zich gecompliceerd en tegenstrijdig. Het was de elektronische industrie die het begin was van de "Japanse sprong", het was hier dat Japanse ontwerpers zich in één keer konden bewijzen. De vooruitgang op dit gebied van de industrie werd echter uitgevoerd onder het teken van een bijzonder geïntensiveerde oriëntatie op de buitenlandse markt. Dit verklaart grotendeels de toegenomen invoer van buitenlandse externe vormen. Maar het probleem van het beheersen van buitenlandse ervaringen in Japans ontwerp was niet beperkt tot de commerciële reproductie van buitenlandse modellen - het was een veel diepgaander, serieuzer, ingrijpender proces.

In de Meiji-periode in de late XIX - begin XX eeuw, toen Japan voor het eerst lid werd van de wereldcultuur, was het systeem van perceptie van buitenlandse ervaring eclectisch, informeel, enigszins provinciaal. Op dat moment werd elke vorm, zowel geavanceerd als achterwaarts, als een model genomen. Later begonnen Japanse industriëlen en handelsorganisaties de beste, de nieuwste prestaties van wetenschap, cultuur en technologie in het buitenland te selecteren. In Japan begon het ontwerp, dat in Europa en Amerika nog steeds als elitair werd beschouwd, zich snel te verspreiden. Tientallen jaren waarin men de beste voorbeelden van wereldontwerp beheerste, was een prachtige school voor nationale meesterschap. Bijna gelijktijdig met dit proces en op basis daarvan begonnen onze eigen creatieve zoekopdrachten voor de meest getalenteerde Japanse ontwerpers.

Zo werd het karakter van de voortschrijdende ontwikkeling van Japans design in de nieuwste sectoren van de industrie gedefinieerd als een proces van vindingrijke, flexibele, creatief consistente aanpassing en transformatie van de modernste vormen, materialen en werkwijzen die in andere landen werden gecreëerd en gevonden. Japanse tv's en bandrecorders werden gemaakt door het veranderen, verbeteren en tegelijkertijd esthetisch begrijpen van de zogenaamde zijfuncties die verband houden met de eigenaardigheden van het overbrengen, opslaan, regelen van apparaten en het beheren ervan. Door verschillende functies in één ding te combineren, door de basisfuncties van objecten te identificeren, te verduidelijken, te verrijken, door nieuwe materialen te gebruiken en de principes van het functioneren van het object te veranderen. De beste Japanse ontwerpers waren in de regel niet geïnteresseerd in de vorm van producten die door buitenlandse collega's zelf werden gemaakt. Ze streefden niet om te styliseren, maar om te ontwikkelen, creatief te transformeren.

Een van de specifieke kenmerken van de Japanse industrie is het vermogen om de ongebruikte kansen van buitenlandse producten te begrijpen en te ontwikkelen. Het idee om radiobuizen te vervangen door halfgeleiders is bijvoorbeeld niet van Japanse afkomst. Het waren echter Sonya's ontwerpers en ingenieurs die de pocket radio-ontvanger creëerden, die alle Japanse bedrijven snel onder de knie hadden. Hetzelfde bedrijf, in 1958, creëerde de eerste micro-televisie, die ook universeel succes had. De Japanners hebben geen balpennen verzonnen, maar zij, die allang gewend waren te schrijven en schilderen met inkt, vervingen de chemische inkt door mascara: zo verschenen de markeringen. Overhemden met witte nylon zijn al lang geproduceerd in de meeste landen van de wereld. Maar het waren de Japanners die bezig waren het materiaal zelf te maken dat blauw kleurde. En Japanse nylon shirts zijn sneeuwwit tot blauw en vereisen geen extra handelingen bij het wassen.

Japanse ontwerpers op het nieuwste gebied van de industrie brengen met opzet de technische verworvenheden van de moderniteit dichter bij de mens, eenvoudig en flexibel aan te passen aan binnenlandse processen. Dit heeft op zijn eigen manier invloed op de traditionele voor Japanse cultuuraandacht op alle details en trivialiteiten van de onderwerpomgeving.

De zoektocht naar compactheid en eenvoud van vormen werd in Japans ontwerp vergezeld door de wens voor de uiterste mogelijke combinatie van functies. Voor het eerst in Japan werden draagbare tv's, radio's en bandrecorders gemaakt en op grote schaal verspreid.

In Europa en Amerika was de evolutie van vormen in audio- en videoapparatuur relatief gesproken van het type meubel tot het instrumentale, dat geleidelijk aan steeds meer esthetische inhoud verwierf. Japan, dat in principe het meubilair (met uitzondering van inbouwkasten en lage tafels) niet kende en dat, aan de andere kant, gelijkwaardig was aan de geavanceerde trends in technologie, begon zonder enige moeite met de ontwikkeling van ontwerp in radio-elektronica van instrumentale, in de regel draagbare vormen. Japanse ontwerpers, met hun frisse blik op technologie en een natuurlijke flair en liefde voor de gereserveerde, gemiddelde kunstvorm, merkten snel en nauwkeurig alle onnodige excessen van het technicisme op. In het hart hiervan ligt het begrip van de geschiktheid van zowel de esthetische categorie, de onafscheidelijkheid van de functionele en artistieke die altijd kenmerkend zijn geweest voor de Japanse kunst.

De zogenaamde "gemengde richting" in het ontwerp van Japanse interieurs en meubels is gebaseerd op de vervlechting van nieuwe, internationale en oude, traditionele levensvormen in het leven van het moderne Japan. In de eenvoudigste vorm komt dit tot uitdrukking in het feit dat een woonkamer is ingericht in westerse woningen in Japanse woningen. Nog meer massa-integratie in het interieur van de meest moderne elektronica. Deze invasie van de traditionele manier van leven heeft in de moderne Japanse architectuur een tegenproces veroorzaakt van het opnemen van het oude in een nieuwe manier van leven, bijvoorbeeld traditionele Japanse theehuizen in moderne openbare en residentiële interieurs, dit gebeurt op verschillende manieren. Soms door geïsoleerde, traditionele en nieuwe panden te combineren. Een interessante en artistiek veelbelovende methode is het in zones onderverdelen van een enkele binnenruimte door een bepaald vloerniveau van de vloer te verhogen. Deze "vermenging" creëert indrukwekkende effecten van ruimtelijke expressiviteit. Ooit was deze methode interessant voor Kenzo Tange in een van de recreatiegebieden in het zwembadensemble in Tokio. Heldere keramische stoelen waren hier als gegoten en vervolgens gefixeerd in vlakke betonnen oppervlakken, gelegen op drie niveaus. Nadat hij de kou van beton had overwonnen, creëerde de ontwerper een onverwacht vrolijke compositie, die rustte.

Zonering met behulp van een kunststof vloerconstructie is wijdverspreid in nieuwe restaurants, hotellobby's. Deze methode zelf is een moderne interpretatie van de Japanse architecturale traditie. Met de ruimtelijke eenheid van Japanse interieurs met hun schuifwanden, wordt de deelbaarheid van het pand altijd op een tektonische manier benadrukt door het niveau van de vloer - het stijgt op van de grond naar het open terras, van het terras naar de woonkamer. In de vloer vallen opvallende niches vaak op.

Veel ontwerpprojecten voor meubels gemaakt in Japan, kunnen worden gebruikt in de omstandigheden van zowel de Japanse, en (met weinig verandering of zelfs zonder) westerse manier van leven. De stoelen ontworpen in het bekende Toyoguchi-ontwerpbureau konden dus van hun metalen of houten steunen worden verwijderd en in vloerstoelen worden veranderd. Over het algemeen moet worden gewezen op de verbazingwekkende vrijheid van Japanse ontwerpers bij het ontwerpen van stoelen, fauteuils, banken en allerlei zitplaatsen. Los van de schema's die zich in het Westen hebben ontwikkeld, introduceerden ze zelfs iets van zichzelf in 's werelds meest ogenschijnlijk stevig gevestigde vormen. Designer's stoel Sory Yanagi, bestaande uit twee vrij gebogen houten bladen, die plotseling de stoel openmaakten, volledig onthullend de originaliteit van de boom, verscheen in de late jaren 1950. een opening voor het westen. Organische schoonheid, die hier het idee van boomgroei belichaamt, beantwoordt perfect aan functionele en technologische behoeften.

Soms gebruiken Japanse ontwerpers nationale prototypes direct bij het maken van nieuwe industriële vormen. Dit komt met name tot uiting in huishoudelijke gebruiksvoorwerpen, die onlosmakelijk verbonden zijn met het interieur en met de functies en plasticiteit, en de tradities van het ambacht worden organisch geassocieerd met moderne productiemethoden.

Gedurende verscheidene decennia van naoorlogse ontwikkeling heeft het Japanse ontwerp geleidelijk alle "groeisziekten" overwonnen. Op basis van de "gemengde" richting van het Japanse ontwerp, begon zich een nieuwe creatieve richting te ontwikkelen. Het wordt gekenmerkt door echte innovatie en fijne universalisering van het nationale erfgoed. Het probleem van het beheersen van het nationale erfgoed was misschien nooit een doel op zich voor deze richting. Dit is slechts een middel om een ​​ontwerp te maken met een duidelijk uitgedrukt humanistisch programma.

De Japanse vereniging voor het artistieke ontwerp van het milieu in de eeuw van industriële productie (afgekort als DNIAS), gecreëerd in 1966 op initiatief van toonaangevende Japanse ontwerpers, is waarschijnlijk nog steeds de enige in zijn soort. Ontwerpers willen hun activiteiten niet beperken tot puur pragmatische doelen (meer verkopen, intensivering van de productie, meer uitbuiting). Ontwerp in het begrip van de geavanceerde vertegenwoordigers van dit veld van activiteit is in de eerste plaats een middel voor het stroomlijnen en harmoniseren van de moderne onderwerpsomgeving gecreëerd in de omstandigheden van industriële productie.

1

Geef een reactie

Het e-mailadres wordt niet gepubliceerd. Vereiste velden zijn gemarkeerd met *

32 − = 23